Historia
de la Musica Electronica (History of Electro)
Se conoce como música electrónica a toda aquella
música creada por sintetizadores, máquinas de ritmo, sampleadores y
ordenadores. De igual forma se le puede considerar como la música creada por un
ordenador y esto es posible gracias a un software (programa) que puede
digitalizar, manipular y procesar los sonidos, con apoyo de sintetizadores. La
música Rock, cuando surgen los sintetizadores, se involucra mucho con estos
aparatos y por supuesto con la música electrónica para crear canciones con
mejor calidad; algunas bandas de Rock que llegaron a utilizar los primeros
sintetizadores fueron: The Beatles, The Rolling Stons, The United States of
America, Pink Floyd, The Silver Apples, U2, entre otros.
Para empezar a entender mejor a la música
electrónica (conocida en Europa como música Dance) trataremos de hacer una
breve reseña de su surgimiento y su evolución, desde el uso del primer sampleo
hasta la incorporación de nuevas maquinas y robots, si bien la electrónica
abarca un sin fin de subgéneros, trataremos de contar algo de su historia.
Breve
Historia de la Musica Electronica
Compositores e
Inventores
El movimiento "The Art of Noise" de
principios de siglo fue lo que de verdad dio a luz a lo que se llama hoy
cultura rave, mediante composiciones inspiradas por el vaivén mecánico y
eléctrico de la ciudad. Haciendo cajas caseras, a las cuales incorporaban los
sonidos de sirenas, cornetas y pitos, estos futuristas ya estaban haciendo
tecno pero sin la incorporación de beats. Al avanzar el siglo, compositores
como Pierre Schaeffer y Pierre Henry comenzaron a cortar y pegar cintas
magnéticas (un ejemplo antiguo del sampling) para crear piezas con pedazos de
sonidos provenientes de distintas fuentes. Antes de que los djs de clubs usaran
platos - bandejas (turntables) de velocidad variable, Luigi Russolo y el
compositor americano John Cage incorporaban tanto como 42 platos en una sola
pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas contemporáneos,
como Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim y Coldcut, entre otros.
Años sesenta
Aunque la música electrónica comenzó dentro del
ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue
adoptada en la cultura popular.
En el Taller Radiofónico (unidad de efectos
especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963
una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de
televisión Doctor Who (1963-1989).
A fines de los años cincuenta, el trombonista
Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell habían producido el electroteremín,
un instrumento que imitaba el timbre del teremín (instrumento
extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para
generar los tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar.
Tanner tocó su instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y
en un LP llamado Music from Outer Space (música del espacio exterior). También
tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The Beach Boys (1966).
La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en
esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos
notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado
(1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con
el recién inventado sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que
generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para
producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron
muchísimas horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los amateurs que
oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea
melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre,
adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el
secuenciador).
Alemania
La popularidad llegó con los trabajos de la
banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a
partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con
la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que
después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la
electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la
alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música
permaneció absolutamente electrónica.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream,
Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus
temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en
Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house,
que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música
disco de los años setenta.
Sampleadores y synth
pop
A fines de los años setenta y comienzos de los
ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los
sampleadores. Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas
como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de
100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de
sampleadores económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos como
Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The
Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron
maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos.
En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo
electrónico.
Años ochenta
Mezclas del estilo electro con el house
generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan,
EE.UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica
llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs
empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada
desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como
Depeche Mode, lo que generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como
el trance y el dance europeo.
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la
house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior
movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los
noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e
introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica
puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede
utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de
instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados
electrónicamente.
La caída de los precios en los equipos
electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más.
Artistas como Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.
Música industrial
La habilidad natural de las máquinas para hacer
ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música
conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a
trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.
Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y
Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la musique
concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal.
Otros, como Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido
y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos
(Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los
fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (Front 242, Skinny
Puppy) combinaron esa aspereza con sonidos más bailables y pop, formando la
música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música
electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de
la música dub. Notable en esta área está el productor Adrian Sherwood, cuya
discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la
estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas
tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto
allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a
través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de
downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.
Jazz electrónico
En jazz, los instrumentos acústicos amplificados
y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del
grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado
produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con
la banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta
también introdujo a los oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos
electrónicos, que más adelante exploró con más entusiasmo en su disco Future Shock,
una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que
engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno,
Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses
Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria
del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un
ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja
mecánica, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess).
La banda de sonido de Forbidden Planet (El
planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico
(aunque no sintetizadores) en 1956.
Una vez que los sonidos electrónicos se
volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia
ficción, como Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender fuertemente en
el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y
la modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados
para producir bandas sonoras.
Años
noventa
En los años noventa, la música electrónica
conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países se incorporaron
elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos
complejos derivados de la música caribeña, como el dub o el nortec, derivado de
la música tradicional mexicana y la electrónica.
A finales de los años noventa, fueron naciendo
nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones.
También se popularizaron más géneros como el progressive y el deep house.
En la actualidad, la música electrónica está
consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con
los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadoras.
Antecedentes
Historicos
En la década de 1910, los futuristas italianos,
liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con
ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando aparecieron los
primeros instrumentos
musicales electrónicos comerciales. No obstante,
ciertos compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell habían
soñado una música creada solamente por medios electrónicos, aunque este tipo de
música electrónica no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de
la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.
El compositor e ingeniero francés Maurice
Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un
generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano. En las décadas
de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres
de figuras destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En
Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio
de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y
equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para
crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás
distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las
cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho
esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido provenientes del mundo real.
Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se
sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en
este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras
de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores
como la Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su colega
(más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la
composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre
el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos
compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940 Werner
Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de
Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía
sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores
relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia
(fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de
los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director
del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su
forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras
electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el
tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos
principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos
brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este
concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron
piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de
síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a
partir de sonidos electrónicos.
A finales de los años cincuenta ya se habían
establecido gran parte de los estudios de música electrónica de Europa. Los más
importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio y Maderna, el
Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división
entre la música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno
básicamente europeo. Si bien en EEUU surgieron varios estudios en aquella época
las distinciones estéticas eran allí menos importantes. En la década de 1950 en
Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir Ussachevski crearon músicas
para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy rudimentario. Su música
transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante técnicas de
manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la
década se asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton,
en el cual el compositor Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA
para crear una música compuesta con los mismos principios seriales que Eimert y
Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una de las primeras
composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la
tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento
de una serie de estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en
universidades estadounidenses y, en menor medida, en Europa.
Durante los años sesenta y setenta los
estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros, desarrollaron paquetes de
programas para música (programas informáticos diseñados para la manipulación y
creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores
interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos
ha contribuido en gran medida al crecimiento de la música por computadora en
todo el mundo. Tanto el Centro para la Investigación Informática en Música y
Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el estado de California,
como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique (IRCAM) de
París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma
significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de
música electrónica en la actualidad.
El rápido desarrollo de la tecnología
informática durante los últimos 15 años ha conducido a una revolución en la
música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores
son ahora más asequibles, y los programas informáticos, que antes eran muy
lentos, funcionan ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a
los instrumentos. Son muchas las universidades actuales equipadas con un
estudio de música por ordenador y varios países tienen estudios nacionales,
dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos trabajan
cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.
Sintetizadores
e Instrumentos de la Musica Electronica
A principios del siglo XX se inventaron
instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, pero eran muy
rudimentarios en su construcción y complicados en su funcionamiento. Los
sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de
ser utilizados en las actuaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960.
La computadora central RCA fue en esencia uno de los primeros sintetizadores
electrónicos. El aparato contenía todos los recursos necesarios para generar y
modificar los sonidos por medios electrónicos. En los sesenta, Robert Moog, Don
Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a producir
sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio
electrónico para variar el tono o el volumen, y se empleaba para crear, filtrar
y modificar, sonidos electrónicos.
Pronto aparecieron sintetizadores que ofrecían
una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían utilizados cada vez
más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión hasta la
música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de
sintetizadores, capaces de imitar casi cualquier sonido y de crear gamas
tonales y timbres completamente nuevos.
Los nuevos instrumentos musicales electrónicos
de la década de 1960 también contribuyeron al crecimiento de la música electrónica
en vivo, en la cual la creación y la manipulación electrónica del sonido
ocurren en tiempo real (es decir, que se tocan y se escuchan en el momento). Al
mismo tiempo, ciertos compositores creaban música electrónica en vivo con
equipos fabricados por ellos mismos. La obra Solo de Stockhausen (1966), por
ejemplo, utilizaba un complejo sistema de retardo de la grabación que requería
cuatro ayudantes para su interpretación. Durante la década de 1960 surgieron
numerosos grupos de música electrónica en vivo, muchos de los cuales
interpretaban música improvisada de carácter teatral. En años recientes, la
revolución tecnológica también se tradujo en la aparición de numerosos
instrumentos electrónicos y programas de ordenador diseñados para las
actuaciones en directo. Destacan, entre otros, el músico y diseñador de
instrumentos Michel Waisvisz, que trabaja en los estudios STEIM de Holanda,
inventor de diversos instrumentos como el llamado The Hands (las manos), en el
cual el movimiento de las manos del intérprete en el espacio activa sonidos
complejos y permite manipulaciones sónicas. El compositor-intérprete
estadounidense George Lewis combina la improvisación al trombón con programas
personalizados de composición por ordenador que trabajan de forma simultánea.
La estación de trabajo de procesamiento de señales desarrollada en el IRCAM
permite una manipulación muy compleja en tiempo real de los sonidos
instrumentales y sintéticos. Además de estos interfaces (superficie de
contacto) altamente especializados, muchos compositores e intérpretes utilizan
algunas cajas de efectos disponibles en el mercado, diseñadas pensando en el
mercado de la música popular.
La evolución del sintetizador y la guitarra
eléctrica a partir de los años cincuenta también ha influido en gran medida en
el mundo del pop y la música rock. Los avances tecnológicos fueron acogidos con
entusiasmo por grupos como The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet
Underground. En la década de 1980 se inventó una nueva forma de trabajar con
instrumentos de música electrónica dirigida al mercado popular: el llamado MIDI
(interface digital de instrumentos musicales). El MIDI no es un instrumento
musical, sino un medio que permite a los sintetizadores y otros equipos
comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales. Por
ejemplo, mediante el MIDI un intérprete puede hacer que varios sintetizadores
respondan cuando se toque uno de ellos. El uso de la tecnología musical en la
música pop y rock es tan importante que la naturaleza de los instrumentos y las
otras tecnologías musicales relacionadas con la música electrónica están
dictadas, en gran medida, por las necesidades de la industria del rock.
La síntesis del sonido
y las técnicas de procesamiento
Las diferentes técnicas utilizadas para crear
música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para crear nuevos
sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya
registrados. En épocas pasadas se
usaban osciladores y filtros de control por
voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de
sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla de
sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el
modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva.
El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por
síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el
estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad
en su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada (FM),
documentada por vez primera por el compositor estadounidense John Chowning en
la década de 1960, se emplea como vía para crears sonidos sintéticos complejos.
Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados.
Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías
específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y
bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de
fase o codificación predictiva lineal. Las Seis
fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979) son una obra
pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación para añadir
ecos o un cierto retardo a los sonidos grabados o sintetizados, mientras que se
utilizan técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter
acústico de las grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas
técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de
música electrónica.
Música por Ordenador y
Música Electroacústica
La música por ordenador se caracteriza por el
empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y pegado
de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores
almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse
mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de
1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren,
respectivamente aunque no de forma constante, a la música analógica y a la
digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi
toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.
Son hoy muchos los compositores que escriben
música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos
la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta
magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor
francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando
grabaciones directas de los sonidos del mar o del campo. Otros compositores,
como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan
la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos
a un procesamiento y una edición muy intensas. Este tipo de música, en la que
los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido
como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es
importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen
(1993) ha de interpretarse con varios altavoces.
Avances futuros
La música electrónica es, con relación a la
música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos
avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la
tecnología interactiva y multimedia, de gran influencia en el carácter de la
música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor
tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han
permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos
grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de
vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias
tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos
los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte
del todo que constituye la música. Muchas obras combinan sonidos electrónicos y
acústicos(instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan
en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el
futuro el término música electrónica desaparezca, una vez que tanto la
tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el
mundo del compositor.
¿Que es un
sintetizador?
Un sintetizador es un aparato que genera y
manipula sonidos por medios electrónicos. Con este artefacto se pueden crear
nuevos sonidos así como reproducir los de los instrumentos musicales conocidos.
La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre
mediante el uso de dispositivos tales como amplificadores, mezcladores,
filtros, reverberadores, secuenciadores y moduladores de frecuencia. El primer
sintetizador apareció en 1955. Fue desarrollado por Olsen y Belar en la Radio
Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba destinado a investigar las
propiedades del sonido, no a ser un instrumento musical. Varios compositores se
interesaron en ampliar las posibilidades de producción de sonidos y en
controlar todos los aspectos de la música gracias a esta herramienta. Entre
ellos destacan Milton Babbitt, Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen.
El sintetizador más conocido es el Moog, la primera máquina sencilla indicada
hasta para el uso doméstico, que recibe su nombre del ingeniero estadounidense
Robert Moog, quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Apareció en la
década de 1960. Se maneja con uno o más teclados. Es posible crear un número
casi infinito de sonidos y combinaciones y pueden imitarse muchos instrumentos.
También pueden producirse sonidos que superan la capacidad de los instrumentos
convencionales y que se combinan con los que captan los micrófonos. Además de
su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan para adaptar
música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach
que Walter Carlos realizó en 1969. El sintetizador Moog fue seguido por otros
de diseño similar de empresas como Buchla y Putney. Entre 1960 y 1980 se
fabricaron aparatos más reducidos que usaban microprocesadores, con lo que se
hizo posible la grabación digital del sonido. Han utilizado estos instrumentos
tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop.
Estilos
de Musica Electronica
Ya que hay muchos estilos y sub generos en la
Musica Electronica daremos un breve repaso por los mas relevantes.
Igualmente les dejo estos links donde pueden
encontrar la informacion de todos los diferentes estilos con sus sub generos
---> Wikipedia Generos de la ME
---> Style Guide-Genre-Electronic
Acid
Evolución del house hacia los sonidos
crujientes, repetitivos y lisérgicos creados con el aparato TB-303 de Roland.
Su símbolo fue el famoso “Smiley”, y sus inventores el grupo Phuture (DJ Pierre
y Spanky) con el tema “Acid Trax” (editado en 1987). Damon Wild y Hardfloor
fueron los abanderados del sonido post-acid a mediados de los noventa.
Acid-jazz
En la época en que se desarrolló el acid-house,
tuvo lugar una recuperación del sonido funk de los 70 a través de la estética
moderna aunque revisionista. Al fenómeno se le llamó acid jazz, y es uno de los
géneros que hizo posible el ascenso de la denominada cultura de club.
Ambient
Música climática, relajada, atmosférica y
evocadora que incide en la profundidad y los espacios abiertos. Se basa en la
superposición de sonidos y capas sintéticas y su inventor indiscutible fue
Brian Eno. Nada que ver con la new age.
Ambient dub
Mezcla de sonido ambient con los ecos y los
efectos dub de la música jamaicana. Música envolvente. The Orb son unos maestros
del estilo.
Artcore
Nombre que recibe la tendencia más experimental
y ambient del jungle. Se le ha llamado también intelligent jungle. LTJ Bukem y
Omni Trio han sido las grandes figuras del género.
Balearic beats
Más que un estilo, es la forma de pinchar que
tenían los disc-jockeys españoles en la Ibiza de los ochenta: mezclar todo tipo
de estilos y ritmos, del rock al house y del funk a la psicodelia.
Big Beat
Antes de denominarse así, también se llamó
brit-hop, amylhouse o chemical beats. Y en todo caso, ha representado un nuevo
paso en la conexión dance-rock. The Chemical Brothers, con su artillería de
breakbeats furibundos, fueron pioneros de un género que contó con muchos otros
defensores –Propellerheads,Bentley Rhytm Ace o los grupos de los sellos Skint
yWall Of Sound– pero que sucumbió a la oscuridad de su lado experimental, los
nu skool breakz.
Braindance
Una invención del sello Rephlex que lleva el
tradicional intelligent techno por caminos de complejidad estructural (electro
caótico, jungle hiperacelerado o ambient turbulento, tanto da) y hacia
despropósitos rítmicos antisociales. Música de baile para cerebros retorcidos.
Sólo para freaks.
Breakbeat
Es el ritmo base del hip-hop, gracias al
sampleado de fragmentos instrumentales del funk de los setenta, como el
omnipresente “Funky Drummer” de James Brown. Pero también, por extensión, es
una corriente del techno surgida en Gran Bretaña –también llamada hardcore– que
dio origen al jungle a través de la aceleración del breakbeat.
Cheesecore
La vertiente más pop y comercial del criminal
sonido gabber holandés, con melodías tontas y hasta pegadizas. También se le
denomina fluffycore. Un ejemplo claro: el tema “I Wanna Be A Hippy” de
Technohead.
Chill-out
En una rave o club es una zona o sala de reposo
ideal para hacer una pausa y desintoxicarse de los ritmos más duros.
Principalmente se pincha ambient, pero en realidad se puede pinchar cualquier
cosa que sea diferente a lo que suena en la pista principal, como trip-hop o
downtempo manso. Sus principales representantes fueron Mixmaster Morris
(responsable de la frase “pienso, luego ambiento”) y Pete Namlook, aunque con
la llegada del downtempo planeador la etiqueta chill out se ha acabado
asociando a grupos como Air,Zero 7 o Groove Armada.
Clubpop
Pop con influencias del easy listening y de una
música de baile especialmente sencilla y casera. También se le llama “sonido
Shibuya” porque fue en ese distrito de Tokio donde aparecieron los nombres
principales del género: Pizzicato Five, Cornelius y Fantastic Plastic Machine.
El sello berlinés Bungalow fue su mejor embajador en el mundo.
Dance
Música de baile. En su origen englobaba todos
los ritmos y estilos. En la actualidad, designa sobre todo al movimiento
surgido del techno y el house.
Deep house
La corriente más cálida, envolvente y llena de
soul del house. Tiene una gran influencia del sonido disco, y sus capitales son
New York (donde se le denomina garage), New Jersey (con el grupo Blaze a la cabeza)
y Chicago. Su momento de máximo esplendor fueron los últimos años ochenta y los
primeros noventa.
Downtempo
Su nombre (tempo bajo, ritmo suave) lo dice
todo. Actualmente se cita como la evolución del trip-hop hacia terrenos
plácidos, casi pastorales, decididamente influidos por el dub. La escena
vienesa (Kruder & Dorfmeister, Tosca) y la alemana (el sello Compost) han
sido algunos de sus baluartes.
Dream House
Género comercial de duración muy limitada (poco
más de un año), típicamente europeo, que tuvo su gran himno en el célebre
“Children”, del italiano Robert Miles. A medio camino entre la new age y el
eurobeat, entre el trance y la música de Jean-Michel Jarre, el dream house
devolvió la melodía (fácil) a la música de baile. Gigi D´Agostino o Roland
Brant han sido otros de sus representantes.
Drum’n’bass
Nombre genérico que se aplica al jungle al ser
esta combinación (bajo y batería) la base de su receta rítmica. Drum’n’bass
también designa a las ramificaciones más complejas y científicas (los trabajos
de Goldie, Photek,Spring Heel Jack yRoni Size) de la genuina música de baile
inglesa.
Dub
Tiene su origen en Jamaica, en las versiones
instrumentales de los temas reggae, a los que se añadían ecos y efectos
sonoros. Por extensión, el dub es un género que utiliza las bases del reggae
para crear efectos electrónicos, ecos y reverberaciones.
Easy Listening
También denominado lounge music o *bleep*tail
music. Música de fácil escucha que, sobre todo en los años cincuenta y sesenta,
compuso las bandas sonoras de divertidas comedias y alimentó los hilos musicales
(a esta variante se llamó muzak). Su combinación con la electrónica actual dio
origen a la escena future listening.
EBM
Siglas que corresponden a Electronic Body Music,
un estilo de mediados de los ochenta que utilizaba ritmos fríos y monocordes,
emparentados con el rock industrial. Front 242 yNitzer Ebb son sus mejores
heraldos.
Electro
Género practicado a comienzos de los 80, nacido
de la fusión del funk, el hip-hop y la música electrónica europea de Kraftwerk.
El pionero es Afrika Bambaata y su himno “Planet Rock”
Electronic listening music
Música electrónica para escuchar en casa, y no
especialmente en las pistas de baile, por lo general intelligent techno. En
Inglaterra se le denomina electronica y en Estados Unidos se ha adoptado la
etiqueta IDM (Intelligent Dance Music).
Eurobeat
Estilo de baile europeo muy comercial basado en
melodías vocales pegadizas, esquemas house e incrustaciones de rap y ragga. Sus
principales representantes respondían a nombres como Twenty 4
Seven,Snap!,Culture Beat y, por supuesto,Technotronic.
Experimental
Extraño, inclasificable, vanguardista. Se dice
de todo aquel género musical que rompe reglas, que intenta ir más lejos en
busca de nuevos ritmos, sonidos y construcciones.
Freestyle
Inicialmente, en los años 80, fue la
denominación que recibió un estilo entre el electro y el latin hip-hop,
practicado por cantantes femeninas que imprimían a sus temas un fuerte
componente melódico. En el mundo del hip-hop también se utiliza para designar
la rima improvisada de un MC o el estilo de pinchar (sólo hip-hop underground)
de los DJs con más criterio. En los noventa ha definio la forma de pinchar de
algunos DJs , que mezclan absolutamente de todo, de techno a drum’n’bass
pasando por dub y house.
French Groove
La escena dance parisina generó en el último
tercio de los noventa su propio sonido, caracterizado el groove, el house y la
música disco, todo con un exquisito toque francés que le confiere señas de
identidad propias. De ahí el nombre de french groove, una actitud que ha sabido
combinar house y funk de forma imaginativa (y comercial), y que agrupa a
artistas como,Dimitri From Paris oDaft Punk.
Gabber
También llamado gabba, algo así como el trash
metal del techno. Hardcore originado en Rotterdam que se caracteriza por un
ritmo veloz (entre 200 y 250 bpms) y martilleante que atrae a un público
adolescente generalmente de clase obrera. Cuando se mezcla con melodías simples
y hasta tontas se le llama happy hardcore.
Garage
House de ascendencia disco y soul. Se
caracteriza principalmente por las poderosas voces, desbordantes de sentimiento
y tradición negra.
Goa
Ciudad del sur de la India cuya escena trance,
profunda y psicodélica, ha dado lugar al género Goa Trance. La variante más
exótica y hippie del techno, también llamada psychedelic trance.Algunos dicen
que este estilo ya no existe y que ahora se llama Full on.
Hardcore
La música de las raves empezó a ser más rápida y
basada en ritmos entrecortados, más dura y plagada de voces chillonas, como de
un Mickey Mouse eufórico.The Prodigy fue el grupo más popular del fenómeno
hardcore que más tarde dio a luz al jungle, aunque también hubo una variante techno
impulsada desde Bélgica por el selloR&S que tuvo aJoey Beltram como nombre
principal.
Hardhouse
House de ritmos más implacables nacido,
simultáneamente, en Chicago (Paul Johnson) y Nueva York (Armand Van Helden).
Hardstep
Una de las múltiples derivaciones del
drum’n’bass, que se caracteriza por sus bajos rotundos –que simulan un zumbido
de funk criminal– y sus violentos y vertiginosos ritmos.
Hardtrance
Evolución del trance hacia fórmulas más adustas
y ritmos más duros y veloces, una feroz colisión entre trance y hardcore.
House
El ritmo con el que comenzó la credibilidad de
la música de baile. Nació en Chicago a mediados de los ochenta en el club
Warehouse (de ahí el nombre del estilo), donde pinchaba el granFrankie
Knuckles. Proviene de la cultura musical negra americana, y recoge influencias
de la música disco, el funk y el synth-pop europeo.
Illbient
La densa y excitante mutación del ambient.
Denominado también Crooklyn Dub debido a su origen (Brooklyn, en New York), el
illbient es el sonido de la ciudad enferma, con sus ruidos y misterios.
Aprovechando las profundas líneas de bajo del dub jamaicano y la complejidad de
la música contemporánea, el illbient se constituye en polución sonora de
efectos inquietantes que, en los últimos tiempos, ha poseído al drum’n’bass
americano y al hip-hop más extraterrestre.DJ Spooky es su gran ideólogo.
Intelligent techno
Las recopilaciones “Artificial Intelligence” del
selloWarp patentaron un tipo de electrónica, inspirada en el techno de Detroit,
más pensada para el viaje mental y la escucha en casa que no para el baile en
el club. De ahí viene el concepto “techno inteligente”, que se refiere a la
electrónica con clase y un marcado carácter experimental de Orbital.
Italodisco
También conocido como spaghetti-disco, el
fenómeno del italo es uno de los más singulares de la historia de la dance
music. En un año especialmente brillante, 1983, gran número de producciones
italianas asaltaron las pistas de baile de medio mundo con ritmos heredados
deMoroder, melodías sencillas y sonidos futuristas. Muchos pioneros de Detroit
citan a la escena como una fuerte influencia.
Jungle
Género musical surgido en Inglaterra que se basa
en la aceleración del breakbeat y en rotundas líneas de bajo, capaz de
mezclarse con todo: soul, ambient, raggamuffin, hip-hop y música industrial.
Hace años fue masivo y creativo, pero ahora la innovación está en uno de los
géneros nacidos a su sombra, el two-step
Latin House
Aunque sus orígenes son tan antiguos como los
del propio house, lo cierto es que la combinación de ritmo house y sabor latino
siguió evolucionando en los noventa y dio jugosos resultados como el disco
pluscuamperfecto deNuyorican Soul, la convulsión rítmica, sexual y salvaje de
los artistas del selloDigital Dungeon o el arrebatador house santero de River
Ocean. Eso sin contar que los mejores DJs y productores de house son hispanos: Masters
At Work,Roger Sánchez,David Alvarado...
Lounge
Es sinónimo de easy listening (música de fácil
escucha para un relax rutinario), aunque desde principios del año 2000 se
identifica con una nueva corriente de música ambiental y downtempo en extremo complaciente.
Minimal
Califica a un tipo de música que utiliza muy
pocos sonidos y ritmos repetitivos y que, sin embargo, suele arrojar resultados
creativos asombrosos. Normalmente se aplica al techno (todo el sonido derivado
de Basic Channel) y al house más experimental.
New age
Música sintética próxima al ambient pero mucho
menos creativa, con voluntad de crear relax y utilizada por los yuppies para
combatir el stress. Hay quien dice que es el estilo heredero de la escena
planeadora alemana de los setenta –Tangerine Dream y Klaus Schulze, por
ejemplo–, pero también hay quien afirma que es puro muzak.
Pop electrónico
La influencia que la nueva música electrónica ha
tenido sobre el pop en los noventa ha sido decisiva y ha transformado su
concepto de forma radical. Basta con escuchar los discos de Björk,Stereolab.
Progressive
Calificativo que se aplica tanto al house como
al techno, aunque últimamente también se aplica a la evolución “seria” del
trance tras el cambio de siglo. A comienzos de los noventa, el progressive
house fue un estilo complejo y evolutivo, con dubs, bases de percusión y
samples del pop y músicas exóticas.
Speed Garage
Un estilo que deja muy claras sus intenciones en
las dos palabras que componen su nombre: por un lado, speed –su base rítmica es
veloz, con origen en el breakbeat y el jungle–, y por otro, garage, porque
recupera el gusto por las grandes voces del deep house americano. Mezclados
estos ingredientes, y otros como rotundas líneas de bajo, voces pasadas de
revoluciones y los típicos toastings del raggamuffin, se obtiene uno de los
ritmos más excitantes que inundaron las pistas de baile. Sus evoluciones son
primero hacia UK Garage y finalmente a two step.
Synth-pop
Es un género propio de los años ochenta
consistente en elaborar pop futurista con sintetizadores. Sus grandes reyes
fueronThe Human League yDepeche Mode,Pet Shop Boys.
Tech-house
Interacción entre techno y house en un mismo
tema. Normalmente se aplica al house que, lejos de la herencia disco o el pulso
funk, prefiere el sonido más futurista y frío del techno.
Techno
Género musical que aparece en Detroit a finales
de los ochenta, muy influenciado por el house de Chicago, el electro
neoyorquino, el synth-pop europeo y la música de Kraftwerk. Música de baile
abstracta y futurista que en años sucesivos se ha ido haciendo más dura y más
compleja.
Trance
Variante del techno nacida en Alemania a
comienzos de los noventa que combina ritmos rápidos y largas evoluciones
sintéticas con efectos ácidos. Su cuna es Frankfurt y su primer gurú el DJ Sven
Väth. A finales de los noventa hubo una resurrección en Inglaterra impulsada
por DJs estrella como Sasha & JJohn Digweed, Paul Oakenfold..
Tribal
Adjetivo que se aplica al house y al techno que
utilizan percusiones tribales para crear efectos hipnóticos. Un buen ejemplo
son las primeras producciones de Deep Dish.
Trip-hop
Género surgido del hip-hop, generalmente de
carácter instrumental. Tiene un plus experimental, viajero y abierto a multitud
de sonidos diferentes: ambient, jazz, dub, bandas sonoras... Tiene su origen en
la música deMassive Attack,Tricky y otros grupos del sonido de Bristol, así
como de las primeras ediciones de los sellos Ninja Tune yMo’Wax.
Two Step
La evolución del speed garage hacia formas más
sinuosas: ritmos rotos heredados del drum’n’bass, bajos pesados y soul marciano
en lo que es la interpretación inglesa del r&b americano. Las producciones
son raras por naturaleza, pero a la vez sexys, plagadas de efectos extraños,
voces recortadas y rappers alborotadores.
